25MIL es un ensayo-reflexión. Es una llamada de atención, un acento a un desastre, a un desmembramiento. 25 mil son los desaparecidos, es la cifra oficial que en los últimos años ha desgarrado a México. Se construyó un castillo conformado por 25 mil cohetes, el estallido de cada uno de ellos es un golpe, una bofetada para despertar y reaccionar.

Esta acción se realizó con el apoyo de Herbert Hernández y Alejandro Avendaño en el estado de Hidalgo en el año 2016.

_{Bruno Bresani (Recife, Pernambuco, Brasil 1973). Artista e investigador especializado en el área de la representación fotográfica, obtuvo la maestría en Artes Digitales por parte de la Universidad Pompeu Fabra y la maestría en Artes Visuales en la UNAM. Ha recibido reconocimientos como el Premio Nacional de Arte Joven (2002), la Bienal Nacional de Arte Visual Universitario (2003), y la mención honorífica en el Festival Internacional de la Imagen en Colombia (2008). Fue ganador del premio Podium en Austria (2008) y en el 2013 recibió la mención honorífica en el Festival Black and White de Portugal. Ha realizado diversas residencias artísticas entre las que destacan Hangar-Barcelona, Fiskars-Finlandia y en Salzburg-Austria. Su trabajo ha sido publicado en La Cámara de Pandora, de Joan Founcuberta y (READY) MEDIA del Laboratorio de Arte Alameda.}

25MIL es un ensayo-reflexión. Es una llamada de atención, un acento a un desastre, a un desmembramiento. 25 mil son los desaparecidos, es la cifra oficial que en los últimos años ha desgarrado a México. Se construyó un castillo conformado por 25 mil cohetes, el estallido de cada uno de ellos es un golpe, una bofetada para despertar y reaccionar.

Esta acción se realizó con el apoyo de Herbert Hernández y Alejandro Avendaño en el estado de Hidalgo en el año 2016.

_{Bruno Bresani (Recife, Pernambuco, Brasil 1973). Artista e investigador especializado en el área de la representación fotográfica, obtuvo la maestría en Artes Digitales por parte de la Universidad Pompeu Fabra y la maestría en Artes Visuales en la UNAM. Ha recibido reconocimientos como el Premio Nacional de Arte Joven (2002), la Bienal Nacional de Arte Visual Universitario (2003), y la mención honorífica en el Festival Internacional de la Imagen en Colombia (2008). Fue ganador del premio Podium en Austria (2008) y en el 2013 recibió la mención honorífica en el Festival Black and White de Portugal. Ha realizado diversas residencias artísticas entre las que destacan Hangar-Barcelona, Fiskars-Finlandia y en Salzburg-Austria. Su trabajo ha sido publicado en La Cámara de Pandora, de Joan Founcuberta y (READY) MEDIA del Laboratorio de Arte Alameda.}

“Cueraváperi” parte del símil entre el proceso de elaboración de la “cerámica de alta temperatura” y la vida. A partir de esa aproximación, se reafirma la fortaleza de la mujer mexicana y la unión familiar. Descubriendo al mismo tiempo, cómo el arte se convierte en un instrumento que moldea al artesano, a la vez que el artesano imprime su esencia en cada una de las piezas.

Asimismo, el proyecto busca contribuir a la difusión y preservación de los oficios tradicionales de los pueblos, como parte fundamental de la identidad mexicana.

Cueraváperi, palabra de origen Purépecha que da nombre al taller de la familia de artesanos protagonistas de esta historia tiene varios significados: “madre tierra,” “la diosa luna,” “la madre de todos los dioses,” “diosa de la fecundidad.”

_{Alma Silva (Ciudad de México). Estudió fotografía en la Fundación Pedro Meyer y en la Escuela Activa de Fotografía. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en la Ciudad de México y en cortometrajes y series de cine documental. Sus proyectos abordan temas introspectivos y de tipo documental, con el interés de compartir desde el ángulo de su mirada, historias que la conmueven y transforman. Colabora como productora y fotógrafa en un estudio de realización audiovisual.}

“Cueraváperi” parte del símil entre el proceso de elaboración de la “cerámica de alta temperatura” y la vida. A partir de esa aproximación, se reafirma la fortaleza de la mujer mexicana y la unión familiar. Descubriendo al mismo tiempo, cómo el arte se convierte en un instrumento que moldea al artesano, a la vez que el artesano imprime su esencia en cada una de las piezas.

Asimismo, el proyecto busca contribuir a la difusión y preservación de los oficios tradicionales de los pueblos, como parte fundamental de la identidad mexicana.

Cueraváperi, palabra de origen Purépecha que da nombre al taller de la familia de artesanos protagonistas de esta historia tiene varios significados: “madre tierra,” “la diosa luna,” “la madre de todos los dioses,” “diosa de la fecundidad.”

_{Alma Silva (Ciudad de México). Estudió fotografía en la Fundación Pedro Meyer y en la Escuela Activa de Fotografía. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en la Ciudad de México y en cortometrajes y series de cine documental. Sus proyectos abordan temas introspectivos y de tipo documental, con el interés de compartir desde el ángulo de su mirada, historias que la conmueven y transforman. Colabora como productora y fotógrafa en un estudio de realización audiovisual.}

La serie de relatos presentados a continuación son el resultado de experiencias, aprendizajes y reflexiones, complicaciones y sorpresas vividas por él desde el 20 de diciembre del 2015 al 20 de julio del 2016. Desde la lejanía escribió y recopiló aquellas pequeñas imágenes e inquietudes que tuvo al migrar a la Ciudad de México desde Bogotá. Se pretenderá entonces revisar minuciosamente lo que su memoria no ha olvidado. Aquello que le significó un interés particular, que lo encerró en las dolencias y las incertidumbres, hará parte de este pequeño memorial. Han sido un poco menos de siete meses desde que huyó de su ciudad. De aquel territorio conocido que habitó y deambuló. Huyó en busca de otros rumbos consciente del riesgo a la pérdida, al vacío y a la inevitable oscuridad.

Las historias que están por ser contadas, sesgadas por la premura de no desnudarlo completamente, tienen la condición inapelable de revelarlo y, en lo posible, definirlo como un sujeto más que vivió, procuró registrarse y, en su defecto, que se impuso a contar y a revisar su historia.

Habiendo dicho esto su única intención fue la de sincerarse y analizarse a sí mismo, y de paso compartir cómo lo hizo. Dichos relatos aparentemente inconexos y sin concluir no serán suficientes para contar la totalidad de sus experiencias, asunto que no interesa. No interesa tampoco elogiar, dignificar o enaltecer esta narración. Encontró en ella la posibilidad de crear, y por qué no, de crearse a partir de ella. Ingenuo sería no utilizar estas vivencias particulares y nada sobresalientes como materia para la creación. Ingenuo sería no discutir con la fragilidad y la banalidad de su tiempo y de sus memorias. Ingenuo sería no intentar contarlas

_{Santiago Bohórquez Marroquín Diseñador Industrial egresado de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, Colombia. Adquirió diversos conocimientos en artes visuales y fotografía en la misma institución. Durante el 2016 estudió como becario en la Fundación Pedro Meyer en la 5ta generación del Diplomado de Fotonarrativa y nuevos medios. También participó en la 1ra generación del Diplomado en fotografía creativa de Página en Blando. Ha participado en nodos del Diplomado transdisciplinario en investigación, experimentación y producción artística Tránsitos ’16 en el Centro Nacional de las Artes en la Ciudad de México. Su trabajo fotográfico fue presentado en la exposición Colectiva “Mirada a la fotografía Joven” en el marco de la Bienal internacional Fotográfica Bogotá y publicado en la sexta edición de la Revista Reloj de Arena.}

La serie de relatos presentados a continuación son el resultado de experiencias, aprendizajes y reflexiones, complicaciones y sorpresas vividas por él desde el 20 de diciembre del 2015 al 20 de julio del 2016. Desde la lejanía escribió y recopiló aquellas pequeñas imágenes e inquietudes que tuvo al migrar a la Ciudad de México desde Bogotá. Se pretenderá entonces revisar minuciosamente lo que su memoria no ha olvidado. Aquello que le significó un interés particular, que lo encerró en las dolencias y las incertidumbres, hará parte de este pequeño memorial. Han sido un poco menos de siete meses desde que huyó de su ciudad. De aquel territorio conocido que habitó y deambuló. Huyó en busca de otros rumbos consciente del riesgo a la pérdida, al vacío y a la inevitable oscuridad.

Las historias que están por ser contadas, sesgadas por la premura de no desnudarlo completamente, tienen la condición inapelable de revelarlo y, en lo posible, definirlo como un sujeto más que vivió, procuró registrarse y, en su defecto, que se impuso a contar y a revisar su historia.

Habiendo dicho esto su única intención fue la de sincerarse y analizarse a sí mismo, y de paso compartir cómo lo hizo. Dichos relatos aparentemente inconexos y sin concluir no serán suficientes para contar la totalidad de sus experiencias, asunto que no interesa. No interesa tampoco elogiar, dignificar o enaltecer esta narración. Encontró en ella la posibilidad de crear, y por qué no, de crearse a partir de ella. Ingenuo sería no utilizar estas vivencias particulares y nada sobresalientes como materia para la creación. Ingenuo sería no discutir con la fragilidad y la banalidad de su tiempo y de sus memorias. Ingenuo sería no intentar contarlas

_{Santiago Bohórquez Marroquín Diseñador Industrial egresado de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, Colombia. Adquirió diversos conocimientos en artes visuales y fotografía en la misma institución. Durante el 2016 estudió como becario en la Fundación Pedro Meyer en la 5ta generación del Diplomado de Fotonarrativa y nuevos medios. También participó en la 1ra generación del Diplomado en fotografía creativa de Página en Blando. Ha participado en nodos del Diplomado transdisciplinario en investigación, experimentación y producción artística Tránsitos ’16 en el Centro Nacional de las Artes en la Ciudad de México. Su trabajo fotográfico fue presentado en la exposición Colectiva “Mirada a la fotografía Joven” en el marco de la Bienal internacional Fotográfica Bogotá y publicado en la sexta edición de la Revista Reloj de Arena.}

Más que en cualquier otra época, nuestro presente es el de las imágenes. Qué podemos esperar de la humanidad cuando en un futuro nos vea solo en pantallas, ¿serán nuestros Doppelgängers?

Debido a que nuestro ojo comprende el mundo desde la virtualidad, una de las características del collage análogo hoy, es que la mayoría de los espectadores tiene un problema de identificación al ver retratos intervenidos por medio de un proceso manual. También hemos dejado de lado aquello que no entra dentro de este canon estético, como los medios impresos, las texturas desgastadas, personas con ropas o posturas antiguas; el referente que relaciona el momento histórico y las circunstancias sociales nos lleva a pensar no en humanos sino en figuras muertas, anticuadas y fuera de nuestro alcance.

Esta serie intenta detener el ojo de esos espectadores para pensar un poco sobre nuestro pasado y sobre nuestra imagen reflejada en la fotografía. ¿En el futuro, cómo construiremos nuestra identidad por medio de lo virtual?, ¿cuál será el nuevo tipo de arte reflejo del collage de nuestros días? ¿En verdad nos sentiremos identificados con nuestra época y cultura pasadas?

_{Ezequiel Guido Estudió la Maestría en Ilustración y Diseño. Los últimos 8 años se ha dedicado a la plástica y al collage. También fundó el dúo Extraños en el Tren con el que hace performance y musicaliza películas en vivo con un repertorio de 12 bandas sonoras. Ha expuesto su trabajo de collage en diferentes partes del país como Guadalajara, Nayarit, Estado de México y CDMX, y realizado performance, en espacios como Ex Teresa Arte Actual, Casa del Lago, CENART y Centro de Cultura Digital, entre otros.}

Más que en cualquier otra época, nuestro presente es el de las imágenes. Qué podemos esperar de la humanidad cuando en un futuro nos vea solo en pantallas, ¿serán nuestros Doppelgängers?

Debido a que nuestro ojo comprende el mundo desde la virtualidad, una de las características del collage análogo hoy, es que la mayoría de los espectadores tiene un problema de identificación al ver retratos intervenidos por medio de un proceso manual. También hemos dejado de lado aquello que no entra dentro de este canon estético, como los medios impresos, las texturas desgastadas, personas con ropas o posturas antiguas; el referente que relaciona el momento histórico y las circunstancias sociales nos lleva a pensar no en humanos sino en figuras muertas, anticuadas y fuera de nuestro alcance.

Esta serie intenta detener el ojo de esos espectadores para pensar un poco sobre nuestro pasado y sobre nuestra imagen reflejada en la fotografía. ¿En el futuro, cómo construiremos nuestra identidad por medio de lo virtual?, ¿cuál será el nuevo tipo de arte reflejo del collage de nuestros días? ¿En verdad nos sentiremos identificados con nuestra época y cultura pasadas?

_{Ezequiel Guido Estudió la Maestría en Ilustración y Diseño. Los últimos 8 años se ha dedicado a la plástica y al collage. También fundó el dúo Extraños en el Tren con el que hace performance y musicaliza películas en vivo con un repertorio de 12 bandas sonoras. Ha expuesto su trabajo de collage en diferentes partes del país como Guadalajara, Nayarit, Estado de México y CDMX, y realizado performance, en espacios como Ex Teresa Arte Actual, Casa del Lago, CENART y Centro de Cultura Digital, entre otros.}

Herbocetario expresa un vínculo personal desde la experiencia documental en la Plaza de la Hierbas, ubicada en Bogotá, Colombia; por medio de los diferentes lenguajes narrativos, se establece una relación entre el conocimiento de los personajes que la habitan y la experimentación vivencial de algunas recetas con el fin de componer un recetario audiovisual que ayude a recordar y reconocer los usos de las plantas que aquí se muestran.

_{Alejandra Cardona Mayorga Es Diseñadora de la Universidad Nacional de Colombia, especialista en fotografía. Participó en el Diplomado en Fotonarrativa y Nuevos Medios de la Fundación Pedro Meyer, su trabajo se desarrolla desde el interés por los espacios fronterizos, lo mágico y lo femenino. Actualmente trabaja de manera independiente.}

Herbocetario expresa un vínculo personal desde la experiencia documental en la Plaza de la Hierbas, ubicada en Bogotá, Colombia; por medio de los diferentes lenguajes narrativos, se establece una relación entre el conocimiento de los personajes que la habitan y la experimentación vivencial de algunas recetas con el fin de componer un recetario audiovisual que ayude a recordar y reconocer los usos de las plantas que aquí se muestran.

_{Alejandra Cardona Mayorga Es Diseñadora de la Universidad Nacional de Colombia, especialista en fotografía. Participó en el Diplomado en Fotonarrativa y Nuevos Medios de la Fundación Pedro Meyer, su trabajo se desarrolla desde el interés por los espacios fronterizos, lo mágico y lo femenino. Actualmente trabaja de manera independiente.}

24/7 es una propuesta multimedia que busca retratar al trabajador nocturno y las labores mundanas que pasan desapercibidas en una ciudad que se mueve mientras la mayoría duerme. El propósito principal es hacer una observación de la noche, en la que el espectador resulta envuelto en una serie de ambientes virtuales que, por medio del audio y el video, evocan la sensación de estar inmerso en el escenario de soledad peculiar que generan los espacios y las personas retratadas.

_{Sebastián Delgado C. (Colombia). Es un joven fotógrafo independiente radicado en la ciudad de Bogotá. Su trabajo se basa en temas sociales y de derechos humanos utilizando la fotografía como herramienta de visualización y denuncia. Ha trabajado temas como: víctimas de desplazamiento forzado por las fuerzas armadas, suicidio en los menores de edad en Colombia, injusticias políticas en Brasil y la deportación de colombianos en Venezuela. En este momento está en un largo proceso de análisis y proyección visual sobre temas relacionados con el desplazamiento en toda la envergadura de la palabra. Su proyecto “Innombrable," fue reconocido con un estímulo de creación en el rubro proyectos de Tesis, por el Museo de Arte Contemporáneo e IDARTES.}

24/7 es una propuesta multimedia que busca retratar al trabajador nocturno y las labores mundanas que pasan desapercibidas en una ciudad que se mueve mientras la mayoría duerme. El propósito principal es hacer una observación de la noche, en la que el espectador resulta envuelto en una serie de ambientes virtuales que, por medio del audio y el video, evocan la sensación de estar inmerso en el escenario de soledad peculiar que generan los espacios y las personas retratadas.

_{Sebastián Delgado C. (Colombia). Es un joven fotógrafo independiente radicado en la ciudad de Bogotá. Su trabajo se basa en temas sociales y de derechos humanos utilizando la fotografía como herramienta de visualización y denuncia. Ha trabajado temas como: víctimas de desplazamiento forzado por las fuerzas armadas, suicidio en los menores de edad en Colombia, injusticias políticas en Brasil y la deportación de colombianos en Venezuela. En este momento está en un largo proceso de análisis y proyección visual sobre temas relacionados con el desplazamiento en toda la envergadura de la palabra. Su proyecto “Innombrable," fue reconocido con un estímulo de creación en el rubro proyectos de Tesis, por el Museo de Arte Contemporáneo e IDARTES.}

Este ensayo se construye a partir de una reflexión en torno a la memoria contenida en los archivos familiares, que funcionan como testigos de nuestro pasado.  

A través de un proceso de investigación y conciliación con mi origen, rescato el carácter básico del álbum familiar como objeto de relato y remembranza y como conexión estrecha con la identidad y el sentido de pertenencia del ser humano.

El álbum familiar puede ser cronológico o atemporal, puede estar clasificado por temas, o puede no tener un código preestablecido de presentación, ya que ésta dependerá de cada individuo.

Con el objetivo de traer al presente esas historias familiares y organizarlas con una mirada personal, esta propuesta se estructuró en tres líneas conceptuales, en las que conviven las imágenes de archivo análogo con el digital:

Testimonios, basados en las narraciones de mi madre sobre sus fotografías.

Espejo, mostrando coincidencias  -físicas y conductuales- en aspectos de la vida de ambas.

Presente, imágenes producidas recientemente que se integran al álbum, en el ámbito de la generación digital.  

_{Alma Silva (Ciudad de México). Estudió fotografía en la Fundación Pedro Meyer y en la Escuela Activa de Fotografía. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en la Ciudad de México y en proyectos de cine documental. Colabora como productora y fotógrafa en un estudio de realización audiovisual.}

Este ensayo se construye a partir de una reflexión en torno a la memoria contenida en los archivos familiares, que funcionan como testigos de nuestro pasado.  

A través de un proceso de investigación y conciliación con mi origen, rescato el carácter básico del álbum familiar como objeto de relato y remembranza y como conexión estrecha con la identidad y el sentido de pertenencia del ser humano.

El álbum familiar puede ser cronológico o atemporal, puede estar clasificado por temas, o puede no tener un código preestablecido de presentación, ya que ésta dependerá de cada individuo.

Con el objetivo de traer al presente esas historias familiares y organizarlas con una mirada personal, esta propuesta se estructuró en tres líneas conceptuales, en las que conviven las imágenes de archivo análogo con el digital:

Testimonios, basados en las narraciones de mi madre sobre sus fotografías.

Espejo, mostrando coincidencias  -físicas y conductuales- en aspectos de la vida de ambas.

Presente, imágenes producidas recientemente que se integran al álbum, en el ámbito de la generación digital.  

_{Alma Silva (Ciudad de México). Estudió fotografía en la Fundación Pedro Meyer y en la Escuela Activa de Fotografía. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en la Ciudad de México y en proyectos de cine documental. Colabora como productora y fotógrafa en un estudio de realización audiovisual.}

Un pueblo sin memoria está condenado a repetir sus errores.

Desde 2013 ha documentado la vida cotidiana tanto de su familia como la de otros guerrerenses cuyos familiares también están desaparecidos. Se propone encontrar indicios de carácter social y cultural sobre esta problemática actual, así como de aquello que ocasiona la ruptura del tejido social en México.

Guerrero es el segundo estado más pobre y uno de los más violentos en México, también es uno de los principales productores de amapola en el país, lo que ha generado disputas por el control territorial para la siembra entre grupos del crimen organizado. Las poblaciones de clase baja y rural han sido las más afectadas por la incapacidad de un gobierno inexistente. Nuestro pueblo está luchando para protegerse de la violencia, la corrupción y la delincuencia que al parecer han estado aquí desde siempre. La marginación social y económica de sus habitantes y la crisis del estado de derecho se agudizan y se han vuelto más alarmantes, las desapariciones forzadas son uno de muchos síntomas que lo demuestran. En los municipios de Iguala y Taxco se han encontrado numerosas fosas clandestinas con restos humanos que fueron enterrados allí hace muchos años. Lo que queremos es recuperar los cuerpos de nuestros familiares desaparecidos.

Con esta serie busca representar las nociones de ausencia-presencia e invisibilidad, así como el creciente desgaste físico y emocional de las personas que aún no han obtenido respuesta por parte de las autoridades: una carga de desesperanza y vacío profundo que las familias tienen que soportar. Busca también generar una memoria histórica-social para denunciar los problemas que existen actualmente en Guerrero y cómo estos han ocasionado la desintegración de la sociedad y el deterioro de la identidad mexicana.

_{Yael Martínez (Guerreo, México 1984). Fotógrafo documental representado por la Agencia Nativa y Beneficiario Magnum Emergency Fund y On religion 2016 Fundación Magnum. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2010 del Centro de la Imagen. Ha participado en muestras colectivas en México, Chile, Brasil, Colombia, Suiza, Estados Unidos, España, Argentina y Noruega. Obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en las emisiones (2011/2013/2016). Recibió el Premio de Adquisición XXXIV Encuentro Nacional de Arte Joven 2014. Finalista Eugene Smith Grant 2015 y 2016 N.Y. Seleccionado Joop Swart Masterclass Latinoamerica Word Press Photo 2015. Nominado para The Foam Paul Huf Award 2016 Holanda. Seleccionado 4th annual New York Portfolio Review organizado por el New York Times. Nominado para el premio Prix Pictet y nominado para el premio Infinity Awards 2017. Su trabajo se ha publicado en: New York times, Vogue Italia, Time, entre otros.}

Un pueblo sin memoria está condenado a repetir sus errores.

Desde 2013 ha documentado la vida cotidiana tanto de su familia como la de otros guerrerenses cuyos familiares también están desaparecidos. Se propone encontrar indicios de carácter social y cultural sobre esta problemática actual, así como de aquello que ocasiona la ruptura del tejido social en México.

Guerrero es el segundo estado más pobre y uno de los más violentos en México, también es uno de los principales productores de amapola en el país, lo que ha generado disputas por el control territorial para la siembra entre grupos del crimen organizado. Las poblaciones de clase baja y rural han sido las más afectadas por la incapacidad de un gobierno inexistente. Nuestro pueblo está luchando para protegerse de la violencia, la corrupción y la delincuencia que al parecer han estado aquí desde siempre. La marginación social y económica de sus habitantes y la crisis del estado de derecho se agudizan y se han vuelto más alarmantes, las desapariciones forzadas son uno de muchos síntomas que lo demuestran. En los municipios de Iguala y Taxco se han encontrado numerosas fosas clandestinas con restos humanos que fueron enterrados allí hace muchos años. Lo que queremos es recuperar los cuerpos de nuestros familiares desaparecidos.

Con esta serie busca representar las nociones de ausencia-presencia e invisibilidad, así como el creciente desgaste físico y emocional de las personas que aún no han obtenido respuesta por parte de las autoridades: una carga de desesperanza y vacío profundo que las familias tienen que soportar. Busca también generar una memoria histórica-social para denunciar los problemas que existen actualmente en Guerrero y cómo estos han ocasionado la desintegración de la sociedad y el deterioro de la identidad mexicana.

_{Yael Martínez (Guerreo, México 1984). Fotógrafo documental representado por la Agencia Nativa y Beneficiario Magnum Emergency Fund y On religion 2016 Fundación Magnum. Cursó el Seminario de Fotografía Contemporánea 2010 del Centro de la Imagen. Ha participado en muestras colectivas en México, Chile, Brasil, Colombia, Suiza, Estados Unidos, España, Argentina y Noruega. Obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA en las emisiones (2011/2013/2016). Recibió el Premio de Adquisición XXXIV Encuentro Nacional de Arte Joven 2014. Finalista Eugene Smith Grant 2015 y 2016 N.Y. Seleccionado Joop Swart Masterclass Latinoamerica Word Press Photo 2015. Nominado para The Foam Paul Huf Award 2016 Holanda. Seleccionado 4th annual New York Portfolio Review organizado por el New York Times. Nominado para el premio Prix Pictet y nominado para el premio Infinity Awards 2017. Su trabajo se ha publicado en: New York times, Vogue Italia, Time, entre otros.}

Lo humano, siempre en primer término redimensiona un espacio de silencio, inabarcable y poderoso (Miguel Bañuls).

Soledad_es,​ es un proyecto que invita a la reflexión, a la ensoñación, a la necesidad de estar con uno mismo.

¿Dónde? ​En un lugar irreal e ideal donde mar, arena y cielo pierden su textura para transformarse en un degradado de color que incita​ a ​realizar una inmersión en nuestros pensamientos más profundos.

​E​n un lugar donde recordar la niñez, leer un libro o, sencillamente, pasear notando la brisa y escuchando el silencio sólo roto por el murmullo monótono del agua.

​En un lugar donde la ausencia de sombras, provocada por la búsqueda de la luz que nos regalan los días nublados, actúan como hilo conductor de un cúmulo de recuerdos desvaneciéndose en un silencio de profundo azul.

​Es por esto que la playa se convierte en estudio fotográfico, en el ente tangible donde proyectar momentos de soledad serena: ¿míos? ¿tuyos?.

Inés Gil Herrera (Madrid, 1965) Licenciada en Ciencias de la Información en la rama de Imagen y Sonido por la Universidad Complutense de Madrid y Experta Universitaria en Artes Visuales: fotografía y acción creativa por la Universidad Miguel Hernández de Elche. Ha laborado siete años trabajando como profesora de​ las asignaturas de ​Fotografía y Dirección de fotografía en la Licenciatura y el Grado en Comunicación audiovisual. Ha sido premiada en concursos nacionales e internacionales, participado en exposiciones colectivas e individuales y colaborado en​ diversas publicaciones. .

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<sub>Inés Gil Herrera (Madrid, 1965) Licenciada en Ciencias de la Información en la rama de Imagen y Sonido por la Universidad Complutense de Madrid y Experta Universitaria en Artes Visuales: fotografía y acción creativa por la Universidad Miguel Hernández de Elche. Ha laborado siete años trabajando como profesora de​ las asignaturas de ​Fotografía y Dirección de fotografía en la Licenciatura y el Grado en Comunicación audiovisual. Ha sido premiada en concursos nacionales e internacionales, participado en exposiciones colectivas e individuales y colaborado en​ diversas publicaciones. .

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The Bycicle workshop

Santiago Calero

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Torres del silencio

Edwin Amado

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Colombia es el segundo país en el mundo con mayor cantidad de desplazados internos por el conflicto armado en zonas rurales. Según las cifras en el año 2015 las víctimas por este flagelo son 6.213.989.

Por este fenómeno de desplazamiento las ciudades se convirtieron en los lugares de acogida para las diferentes comunidades étnicas del país y esto se ve reflejado en un crecimiento descontrolado en las periferias de la ciudad, donde la autoconstrucción es la forma principal de construir un lugar donde vivir.

_{Edwin Amado Arquitecto y Fotógrafo (Colombia). Su trabajo fotográfico se desarrolla entre la fotografía documental y experimental donde aborda problemáticas socio-culturales y las relaciones del ser humano con su entorno, entre ellas, la problemáticas de vivienda masiva en Colombia. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas como el Salón Regional de Casanare, Fondo Mixto de la Cultura Casanare y 10x10 Casa Ensamble Bogotá D.C.}

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Tres momentos para entender la fama

Ernesto Ramírez

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"Tres momentos para entender la fama" de Ernesto Ramírez
Documental. Dur: 09:57 min
Trabajo final del Diplomado de Fotonarrativa y Nuevos Medios. Campus Virtual. Noviembre 2012.

¿Qué es la fama y quiénes fabrican este idíico mundo de reflectores y oropel?, los fanáticos desde luego, con su pasión, con su amor, y sus grandes dosis de posesión, con esa seductora necesidad de verse en el otro, de ser el otro, y alcanzar un trozo del fulgor y artificiosa luz del ídolo. Este trabajo es un homenaje a ellos a partir de tres actos que invitan al humor y a la anécdota pero sobre todo a la reflexión de este fenómeno social al que el escritor y ensayista Mario Vargas Llosa a acuñado como "la civilización del espectáculo". Todos somos fanáticos en algún modo.

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"Tres momentos para entender la fama" de Ernesto Ramírez
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Un día a la vez

Edson Caballero

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"Un día a la vez" de Edson Caballero
Documental. Dur: 9:13 min.
Trabajo final del Diplomado de Fotonarrativa y Nuevos Medios. Campus Virtual. Noviembre 2012.

Ejercicio documental que registra el uso de transporte público de los habitantes de la localidad de Francisco I. Madero, (antes Chávez), a la ciudad de Torreón, Coahuila, México. Con un trayecto de una hora y 33 Km, el autobús conurbado recorre diariamente los poblados intermedios entre estas dos ciudades, y es a partir de esta rutina diaria que los pasajeros hacen reflexiones, apuntes y anécdotas entorno a su cotidianidad, a la las carencias, la delincuencia, el asinamiento y a los cambios que ha sufrido ambas ciudades y por ende la vida de sus habitantes. Trabajo con Mención Honorífica XV Bienal de Fotografía (Mex).

 

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Un domingo familiar

Linda Escárcega

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Un nuevo idioma

Vianey Pérez

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El autismo es un padecimiento cuyo común denominador es el trastorno en la comunicación y la interacción social. Desde 2007 la Asamblea de las Naciones Unidas estableció el 2 de abril como el Día Mundial del Autismo, un trastorno que se presenta en uno de cada 160 niños en el mundo. 

Esta serie fotográfica enfatiza la relación de las personas que viven en el centro y la periferia del autismo, individuos que buscan conciliar y crear lazos entre las realidades de sus mundos, comprender sus significados. Rebeldes, distintos y muchas veces cómplices de la naturaleza personal y familiar, habitan un mundo donde la comunicación no necesita palabras: los objetos cobran vida y significado como elementos que dan sentido al diálogo de su lenguaje alterno.

La composición de singulares construcciones usando objetos cotidianos es un juego, pero también es la manera en que un pequeño establece el diálogo con su realidad. Conquistar esa mirada indescifrable por medio de esta aproximación fotográfica busca mostrar una parte del complejo testimonio de vida y de interlocución con el entorno a partir de su diálogo con los objetos.

_{Vianey Pérez Oaxaqueña nacida en la Ciudad de México. Contadora pública egresada de ULSA y empresaria. Inició su formación fotográfica en 2011 en diversas instituciones. Forma parte del Colectivo Fotográfico Mujeres en FOCO, el Colectivo Fotográfico Miradas y Huellas, y es miembro del Comité Editorial de ZoneZero Labs. La fotografía es su mayor desafío. Entender y respetar la imagen desde su creación; desarrollar un proyecto discursivo a partir de una idea y materializarla en un discurso visual para explorar nuevos horizontes de comunicación y expresión a través de la imagen ha sido el proceso de aprendizaje más enriquecedor.}

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Verso y Maroma

Walter Shintani

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"Verso y Maroma" de Walter Shintani
Documental. Dur: 5:14 min.
Trabajo final del Diplomado de Fotonarrativa y Nuevos Medios. Campus Virtual. Noviembre 2012.

"Maroma campesina" se denomina al acto circense que se presenta en las fiestas patronales de Oaxaca y Puebla en la región mixteca de México. Este trabajo es un acercamiento a ese mundo de presentaciones y números o "compromisos", a partir de un recorrido por testimonios y entrañables postales de sus protagonistas.

 

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